Ich möchte diesen Beitrag mit einem Experiment beginnen, mit dem Sie die Möglichkeit haben, etwas über Ihre eigenen Vorlieben und Abneigungen in Bezug auf visuelle Kunst zu erfahren. Indem Sie sich mit den folgenden Bildern auseinandersetzen, können Sie möglicherweise Einblicke gewinnen, warum Ihnen bestimmte Filme oder Fotos mehr oder weniger gefallen. Darüber hinaus könnte dieser Prozess Ihnen auch helfen zu verstehen, warum Sie auf Ihre ganz besondere Art fotografieren. Es ist faszinierend zu erkennen, dass unsere ästhetischen Präferenzen oft tiefere Wurzeln in unseren persönlichen Erfahrungen, Emotionen und sogar in unserer individuellen Wahrnehmung der Welt haben.

Nun, da Sie diese Seite bis jetzt nicht weggeklickt haben, scheint es, als ob Sie bereit sind, sich auf diese kleine Entdeckungsreise einzulassen. Ich möchte Ihnen zwei Fotos präsentieren und Sie bitten, ganz spontan – und das ist ein entscheidender Punkt – zu entscheiden, welches der beiden Bilder Ihnen mehr zusagt. Es ist wichtig, dass Sie dabei nicht Ihren analytischen Verstand einschalten; vielmehr lade ich Sie ein, aus dem Bauch heraus zu entscheiden. Lassen Sie sich von Ihrem ersten Eindruck leiten und spüren Sie, welches Bild eine stärkere emotionale Resonanz bei Ihnen hervorruft.

Falls es Ihnen jedoch schwerfallen sollte, sich für eines der beiden Bilder zu entscheiden oder wenn Sie beide ablehnen sollten, möchte ich anmerken: Das sagt nicht unbedingt etwas über Ihre Vorlieben aus. Vielmehr könnte es darauf hinweisen, dass meine fotografischen Fähigkeiten vielleicht nicht Ihren Erwartungen entsprechen.

Nun starten wir einen zweiten Versuch. Sie können zwei Filme anschauen und sich wieder entscheiden, welcher für Sie interessanter oder angenehmer anzuschauen ist.

Und nun der dritte und letzte Test. Sicher kennen Sie Saul Leiter und Henri Cartier-Bresson, beides Klassiker der Fotografie. 

https://www.saulleiterfoundation.org/color  Fotograf A

https://www.wikiart.org/de/henri-cartier-bresson Fotograf B

Bei welchem dieser beiden Pioniere der Streetfotografie liegt Ihre Präferenz?

Nun wie waren Ihre Sympathien bei allen drei Tests? Liegen Ihre Vorlieben bei A? Dann ist die Sache relativ klar: Sie betrachten (oder produzieren) Filme oder Fotos eher unter künstlerisch ästhetischen Gesichtspunkten. Als B-Typ neigen Sie zu einer dokumentarischen Perspektive. Wahrscheinlich sind Sie eher ein Mischtyp, wie fast alle Fotoenthusiasten. Trotzdem finde ich es lohnend, sich mit den Grundpositionen von Film (gemeint ist dabei immer das Genre der nicht-fiktionalen Filme) und Fotografie zu befassen.

Im Bereich des nicht-fiktionalen Films und der Fotografie gibt es schon sehr lange zwei grundlegend verschiedene Ansichten, die oft zu erbitterten, oft aggressiven Debatten führt. Man kann die beiden Positionen grob als dokumentarischen Standpunkt gegenüber einer künstlerischen Anschauung unterscheiden. Manchmal neigen puristische Anhänger der einen oder anderen Richtung dazu, der jeweils anderen im extremsten Fall die Existenzberechtigung ihrer Werke abzusprechen; wie man es täglich in den diversen Fotografieforen im Internet erlebt. Zugespitzt wird diese Debatte besonders im Genre der Streetfotografie geführt. Ich möchte im Folgenden versuchen, Grundanschauungen der unterschiedlichen Einstellungen darzustellen. Die Kenntnis der Fundamente jeder Position kann vielleicht helfen, Brücken zu bauen.

Dokumentarische Straßenfotografen vertreten in der Regel die Auffassung, dass die wahre Essenz ihres Genres darin besteht, authentische und unmanipulierte Momente des Lebens einzufangen. Diese Fotografen streben danach, das alltägliche Leben in seiner reinsten Form darzustellen, ohne dabei durch starke Bearbeitungen oder künstlerische Manipulationen Einfluss auf die Realität zu nehmen. Sie glauben, dass solche Eingriffe den dokumentarischen Charakter des Mediums untergraben und somit die Glaubwürdigkeit der abgebildeten Szenen gefährden.

In der dokumentarischen Fotografie ist es von zentraler Bedeutung, dass jedes Bild eine Geschichte erzählt. Die Fotografen sind bestrebt, nicht nur visuelle Eindrücke festzuhalten, sondern auch die sozialen Kontexte und Situationen der abgebildeten Personen zu reflektieren. Jedes Foto soll dem Betrachter einen Einblick in das Leben der Menschen geben, die darauf abgebildet sind, und deren Erfahrungen und Emotionen nachvollziehbar machen. Diese Erzählkraft ist ein entscheidendes Element des dokumentarischen Ansatzes; sie ermöglicht es dem Publikum, sich mit den dargestellten Themen auseinanderzusetzen und ein tieferes Verständnis für die sozialen Realitäten zu entwickeln.

Der ästhetische Anspruch an die Bilder wird in diesem Kontext oft als sekundär betrachtet. Während visuelle Schönheit und Komposition sicherlich eine Rolle spielen können, müssen sie den übergeordneten Zielen des Storytellings und der authentischen Darstellung untergeordnet werden. Der Fokus liegt darauf, die Wahrheit des Moments einzufangen und eine Verbindung zwischen dem Betrachter und den abgebildeten Personen herzustellen. In diesem Sinne wird die fotografische Praxis viel mehr als ein Mittel zur Dokumentation und Reflexion über gesellschaftliche Themen und menschliche Erfahrungen angesehen.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass dokumentarische Straßenfotografen sich verpflichtet fühlen, das Leben so darzustellen, wie es ist – roh, unverfälscht und voller Geschichten – wobei sie bemüht sind, dass ihre ästhetischen Entscheidungen diesen ethischen Grundsatz unterstützen und nicht untergraben.

Auf der anderen Seite des Spektrums stehen die Fine Art Street-Fotografen, die die Auffassung vertreten, dass auch die Streetfotografie eine bedeutende Form des künstlerischen Ausdrucks sein kann. Für sie geht es nicht nur darum, alltägliche Szenen und Momente zu dokumentieren; vielmehr sehen sie in der Fotografie ein Medium, das durch kreative Gestaltung und persönliche Interpretation bereichert werden kann. In diesem Kontext sind Aspekte wie Komposition, Licht und Form von mindestens ebenso großer Bedeutung wie das Motiv selbst. Die Fähigkeit, diese Elemente zu einem harmonischen Gesamtbild zu vereinen, wird als essenziell für die Schaffung wirkungsvoller und ansprechender Kunstwerke erachtet.

Fine Art Street-Fotografen nutzen Nachbearbeitungstechniken als gültige Werkzeuge zur künstlerischen Interpretation ihrer Aufnahmen. Sie glauben, dass durch gezielte Bearbeitung – sei es in der Farbgebung, im Kontrast oder in der Textur – eine tiefere emotionale Resonanz erzeugt werden kann. Diese Manipulationen ermöglichen es ihnen, ihre persönliche Vision und Ästhetik zum Ausdruck zu bringen und den Betrachter auf eine Weise anzusprechen, die über die bloße Dokumentation hinausgeht. In ihren Augen ist die Freiheit zur kreativen Entfaltung ein zentraler Bestandteil der fotografischen Praxis, der es ihnen erlaubt, Geschichten auf eine subjektive und oft poetische Weise zu erzählen. Kunstfotografen argumentieren, dass jede Fotografie immer künstlerische Entscheidungen beinhaltet.

Beide Ansätze haben ihre eigenen Werte und Herausforderungen und tragen auf unterschiedliche Weise zur Lebendigkeit des Mediums Fotografie bei. 

Die Meinungsverschiedenheiten zwischen dokumentarischen und künstlerischen Ansätzen in der Streetfotografie manifestieren sich unter anderem in der Frage, ob Fotografen mit ihren Motiven interagieren dürfen oder nicht. Dokumentarfotografen kritisieren vehement die Praxis, Fremde zu bitten, für ein Foto zu posieren oder sogar Momente nachzustellen, die sie selbst erlebt haben. Sie argumentieren, dass solche Handlungen unauthentische und inszenierte Bilder erzeugen, die nicht mehr den wahren Charakter des Lebens widerspiegeln. Für sie ist es von entscheidender Bedeutung, dass die abgebildeten Szenen spontan und unverfälscht sind, um die Realität so darzustellen, wie sie tatsächlich ist. Diese Interaktion wird als Eingriff in das natürliche Geschehen betrachtet und kann dazu führen, dass das Bild seine ursprüngliche Aussagekraft verliert.

Ein weiterer Konfliktpunkt innerhalb dieser Debatte ist die Frage, ob Fotografen Elemente aus einem Foto herausschneiden oder entfernen dürfen. Dokumentarfotografen beschränken sich meist auf grundlegende Anpassungen wie Belichtung und Kontrast, um die Authentizität des Fotos zu bewahren. Sie sind der Überzeugung, dass jede darüber hinausgehende Bearbeitung – sei es durch das Entfernen von störenden Elementen oder durch drastische Veränderungen in der Farbgebung – die Realität verfälschen kann. 

Im Gegensatz dazu argumentieren Fine Art Street-Fotografen, dass kreative Freiheit und künstlerische Interpretation ebenso wichtig sind wie Authentizität. Sie führen an, dass durch digitale Bearbeitung neue Perspektiven eröffnet werden können. Kunstfotografen betrachten die Nachbearbeitung als Teil des kreativen Prozesses. Techniken wie beispielsweise dramatische Schwarz-Weiß-Umwandlungen, selektive Farbanpassungen werden als legitim betrachtet, selbst wenn sie das ursprüngliche Aussehen der Szene verändern.

Abschließend stellt sich die grundlegende Frage: Sollte der Streetfotografie der Vorrang der Dokumentation oder dem künstlerischen Ausdruck gegeben werden? Diese Debatte ist nicht nur eine Auseinandersetzung über technische und ästhetische Ansätze, sondern sie berührt auch den eigentlichen Sinn und Zweck der Streetfotografie als Kunstform.

Befürworter der dokumentarischen Perspektive argumentieren, dass der primäre Wert der Streetfotografie in ihrer Fähigkeit liegt, historische Momente und soziale Realitäten für zukünftige Generationen zu bewahren. Sie sehen sich selbst als visuelle Historiker, deren Aufgabe es ist, den Zeitgeist und die gesellschaftlichen Strömungen ihrer Epoche einzufangen. 

Auf der anderen Seite stehen künstlerisch orientierte Fotografen, die argumentieren, dass die emotionale Wirkung von Bildern durch visuelle Poesie tiefere Wahrheiten über die menschliche Erfahrung vermitteln kann als streng dokumentarische Ansätze. Indem sie mit Licht, Komposition und Nachbearbeitung spielen, schaffen sie Bilder, die nicht nur dokumentieren, sondern auch Gefühle hervorrufen und zum Nachdenken anregen. Diese Fotografen sehen ihre Arbeit nicht nur als eine Form der Dokumentation, sondern als einen kreativen Prozess, der es ihnen ermöglicht, ihre persönliche Sichtweise auf die Welt auszudrücken.

Das Spannungsverhältnis zwischen den beiden Positionen manifestiert sich in Diskussionen darüber, was ein erfolgreiches Straßenfoto ausmacht. Dokumentarfotografen legen den Schwerpunkt auf das Einfangen entscheidender Momente und das klare Erzählen von Geschichten, während Kunstfotografen den Schwerpunkt auf die ästhetische Wirkung des Bildes und die subjektive Interpretation des Gesehenen durch die Gestaltung legen. Beispiele für die unterschiedlichen Ansätze zeigen die Bilder von Henri Cartier-Bresson auf der einen Seite und die Fotografien von Saul Leiter als Gegensatz dazu.

Die Herausforderung besteht darin, Wege zu finden, beide Perspektiven zu respektieren und sie nicht als sich gegenseitig ausschließend zu betrachten. Die Schönheit der Straßenfotografie liegt meiner Meinung nach in ihrer Vielfalt an Ausdrucksmöglichkeiten. Jeder Ansatz bietet einzigartige Einblicke in die menschliche Erfahrung. Ernst Haas (https://ernst-haas.com) ist ein herausragendes Beispiel dafür; sein Werk umfasst beide künstlerischen Richtungen in meisterhafter Weise.

Wenn Fotografen ihre Bilder mit der Welt teilen, ergibt sich allein durch diesen Akt eine Relativierung der beiden zuvor genannten gegensätzlichen Positionen. Jedes Bild wird von einem Betrachter aus seiner eigenen Perspektive interpretiert, und dies betrifft sowohl dokumentarische als auch künstlerische Ansätze. Selbst ein streng dokumentarisches Foto erhält in der Rezeption des Betrachters ein Eigenleben und wird durch die individuellen Erfahrungen und Emotionen des jeweiligen Betrachters gefiltert.

Jedes Kunstwerk wird durch die einzigartige Wahrnehmung jedes Einzelnen bereichert. Diese subjektiven Interpretationen verleihen dem Werk eine zusätzliche Ebene, die über den ursprünglichen Kontext hinausgeht. Ein Bild kann für einen Betrachter eine bestimmte emotionale Resonanz hervorrufen, während es für einen anderen möglicherweise ganz andere Assoziationen weckt. Diese Vielfalt an Reaktionen ist das Schicksal aller Kunst und zeigt, dass Kunst nicht nur im Moment ihrer Schöpfung existiert, sondern auch in dem Dialog, den sie mit ihrem Publikum eingeht. Die Intention des Fotografen mag zwar einen bestimmten Rahmen vorgeben – sei es das Festhalten einer authentischen Realität oder das Streben nach ästhetischer Schönheit –, doch letztlich liegt es am Betrachter, wie er das Werk interpretiert und welche Bedeutung er ihm zuschreibt. Diese Interaktion zwischen dem Geschaffenen und dem Rezipienten schafft einen Raum für persönliche Reflexion und individuelle Deutung.

In diesem Sinne möchte ich feststellen, dass die Trennung zwischen dokumentarischer Fotografie und künstlerischem Ausdruck nicht so klar definiert ist, wie es zunächst erscheinen mag. Vielmehr sind beide Ansätze Teil eines größeren Ganzen, in dem die subjektive Wahrnehmung des Einzelnen eine zentrale Rolle spielt. Die Fähigkeit eines Fotos, Emotionen zu wecken und Gedanken anzuregen, unabhängig von seiner ursprünglichen Intention oder Technik, macht es zu einem lebendigen Teil der kulturellen Diskussion und des künstlerischen Austauschs.

Ich bedanke mich bei Feizal Westcott, der mir in seinem Film „Zwei Ansichten“ (https://www.youtube.com/watch?v=8W17Xte1pkM&t=361s ) wertvolle Anregungen für diesen Text gab. Die Fotos und Filme sind meine Eigenproduktionen